Nahum Zenil

El siguiente es un artista actual mexicano, pintor egresado de la Escuela Nacional de Pintura y Escultura "La Esmeralda" en 1972 aborda temas autobiogràficos (de su propia experiencia) y ademàs habla de la sexualidad.

Usualmente sus obras representan lo que para èl mismo es ser hombre y màs que ello, un individuo mexicano.

En cuanto a su tècnica, adopta como referencia la obra Frida Kahlo.

En el siguiente trabajo de Zenil utiliza las lineas de un modo màs geométrico para representar la nubes, lo cual brinda una textura suave. Ademàs, varia el grosor de las lineas, como se puede observar en la representación de su cabello y el pelo del gato.

 (Mi niño)

Aquello que me agrada en la obra siguiente es el trabajo en las flores y el vestido... pero màs allá de eso, noto el cráneo, el cual es dibujado con trazos sencillos, no necesariamente realistas, pero siguen miràndose bien. Cabe mencionar el uso de tonos para dar profundidad al cráneo.

(Te miraras en el limpido espejo de mis ojos)

Este ùltimo caso agrada por la sencillez de posturas en los cuerpos, ciertamente aparentan cierta rigidez, lo cual es característico de las obras de Nahum, pero los detalles del cabello y las alas son lo que da mayor movilidad a las figuras. 

(angel-demonio)

Su obra como tal no es de mi agrado, sin embargo puedo reconocer que su técnica, además de estar desarrollada, tiene un estilo personal y eso es una cualidad a destacar en cada persona que se dedica a la producción gráfica.

Egon Schiele

      En esta entrada pretendo comenzar al revés, es decir, presento la obra y finalmente al artista. 

 El interés que proporciona la imagen, radica en la complejidad de la postura del cuerpo y con ello, los trazos que el artista maneja tal como un juego. Entre líneas definidas se estructura el cuerpo sin el problema de confundir los miembros.

 (Kauernder akt mit herabgebeugtem kopf)

En este trabajo ocurre algo semejante con el anterior, la figura humana se aparenta forzada pero bien definida, además aquí presenta más detalle en el cabello, que si bien no es dibujo, se complementa con el resto de los trazos. además, es importante mencionar las tres líneas en la espalda baja de la mujer, dan dirección y movimiento.

  (A lady)

Finalmente, el artista se destaca por el juego de proporciones sin descuidar los detalles y estos, como se presenta en la siguiente imagen. El uso de las lineas siguen siendo bien definidas, pero con la variante del uso de espirales; además de los diferentes grosores, muchas de ellas brindan la sensación de movimiento, tal como en la anterior figura.

(Portrait of Otto Benesch)

Caracterizado también por abandonar la rigidez y el estudio de la figura humana; Egon Schiele fue discípulo de Gustav Klimt y fue así un artista expresionista de Viena (1890-1918) se desarrolla durante el siglo XX (caracterizado también por acontecimientos bélicos).

De los tópicos más fuertes dentro de su obra son de carácter sexual... dentro de su contexto se puede afirmar que fue un artista experimental y con esto amplía más el panorama de lo que se puede hacer;Por ejemplo, la figura humana era algo reservado pero el modo en que Schiele emplea sus figuras causaron escándalo.

Finalmente, en cuanto a técnica de dibujo, es importante concluir en que utiliza las lineas de una manera más lúdica y libre con lo que adquiere si propio estilo y no más es de aquello que le precedieron.

Rembrandt

En seguida, como nueva entrada del blog: Rembrandt, quien es altamente conocido por sus obras pictóricas, él es de origen Holandés y nace en 1606.

Dentro del contexto histórico se destaca que en el siglo XVII el protestantismo de desarrolla fuertemente y para el caso del arte, el tema de la religiosidad disminuye en gran manera, es decir, no hay más tópicos bíblicos. Además la burguesía es principal cliente de obras de arte; entonces se destacan principalmente los retratos (individuales o colectivos), paisajes, interiores,, bodegones, etc.

Durante el periodo de formación del artista -la cual se desarrolla en principio en Amsterdam-, se conoce que Rembrant fue discípulo de Jacob van Swanenburgh, un pintor destacado por la obscuridad que utilizaba en sus cuadros; además tuvo contacto con otros pintores como: Pieter Lastman, Jan Lievens.

Uno de los trabajos más reconocidos de Rembrant es el siguiente: un grupo de estudioso de la anatomía.

 

Las obras pictóricas que destacan a Rembrandt como un pintor importante de su época tienen como característica el realismo trabajado y la utilización de luz en zonas específicas, además del juego claro-oscuro que degrada secciones del espacio, las pinceladas...

Y... de acuerdo a las anteriores entradas del blog, lo importante por mencionar dentro del trabajo del artista es su trabajo en dibujo, debido a que este es el principio base para los cimientos de una composición visual. En caso de Rembrandt se encuentran los siguientes ejemplos:

En este primer caso, se los trazos del grafito poseen diferentes grosores y tonos más marcados, además... cada línea es definida y manejada a tal grado que le da movimiento a la imagen, sensación de textura y volumen.

 (An elephant)

A diferencia del dibujo anterior, este presenta un fondo, donde las lineas juegan un papel importante para indicar hacia donde se dirige y concentra mayor iluminación. En cuanto al trabajo del cuerpo, las lineas se prestan a ser finas, con lo cual brinda la delicadeza propia de este cuerpo femenino. 
Un detalle que considero oportuno para resaltar es en el cabello, no son rizos cual cabello, son simples lineas que dan la idea de cómo se vería la cabellera y estas no necesitan ser forzosamente tal como la realidad.
 (Diana at the bath)






Este último ejemplo es importante porque demuestra que no es vitalmente necesario el uso de muchas lineas para detallar debido a que con algunas -con su respectiva dirección y cuidado- pueden proporcionar la idea principal del objeto o cuerpo a representar.
Igualmente, como en los trabajos presentados anteriormente, algunos trazos funcionan para delimitar la luz y sombra.

( A beggar, facing left, leaning on stick)

En conclusión, y de acuerdo a lo estudiado acerca de Rembrandt, un buen dibujo es aquel que con las lineas más seguras y definidas brindan una idea clara de lo que se pretende realizar posteriormente; un bosquejo rápido del objeto, además, funciona para mejorar el talento y calidad de trabajo.

Henri Matisse

      Como contexto, en el siglo XX se presentan acontecimientos como la revolución industrial, la primera y la segunda guerra mundial... existía una necesidad de cambio, así que el arte también se unió a esta sed de revolución. 

El Fauvismo, es un movimiento que sucede en el transcurso del siglo antes mencionado, el cual es característico por lo estético y sentimental, trata más un expresionismo que el realismo, así que el manejo de los colores también es adaptado de acuerdo a lo que el artista considere; sin embargo este artículo -al igual que anteriores- no abordaré realmente el cómo se utiliza el color, por ejemplo: en la pintura, esto porque puntualizo la técnica del dibujo y sobre todo la aplicación que se da como base para proyectos de arte visual.

        

        Uno de los principales fauvistas se llamó Henri Matisse, él es francés, comenzó siendo abogado, tiempo después despierta su interés por las artes visuales y se introduce en la pintura, arte en el cual su mayor logro es su expresividad con el color. Durante sus viajes fue como adquirió mayores aires de experimentación, por ejemplo: Granada, Sevilla, Marruecos, etc... y no sólo se trató de sus viajes, también tiene que ver con los demás artistas con quienes tuvo contacto: Signac, Henri Edmond, Cezanne, entre algunos más... quizá no conoció a todos, pero si tuvo influencia de ellos.

Matisse , se podría afirmar, que gustaba de la experimentación, debido a que, teniendo una cierta técnica con la cual asemeja la realidad de lo que ve, opta por jugar con las formas y espacios (como se puede observar en las imágenes que más abajo se presentan).

Lo que en primera instancia se distingue es la presencia de un dibujo fluido y definido, lo cual -incluso en el último dibujo- se trata de un bosquejo.

 

(Study of a face, pencil and ink on paper, 25.9x18 cm1946)

(Portrait of john-Antoine Nau, litrografía, 1953)

(Variación I, 1942)

De acuerdo al trabajo de Henri Matisse, he de seguir con la misma postura de que el dibujo es base fundamental, porque adquiriendo una técnica es más viable el transformar para crear; además, funciona como maquetación de lo que más adelante se querrá reproducir, ya sea en pintura o escultura, tal como Matisse, quien se desempeñó en ambas áreas... en fin... el dibujo se puede, finalmente, aplicar en distintas ramas de las artes e incluyo también, el diseño.

Vincent Van Gogh

 

"A pesar de todo me levantaré nuevamente: Tomaré el lápiz, el cual he abandonado con mi gran desánimo, y continuaré con mis dibujos."

Vincent van Gogh
Carta 136
24 Septiembre 1880

       

 
           En uno de los países bajos, siendo más específica, de la ciudad Zundert, se origina un artista altamente conocido por su posible locura, arranques de furia... en general por lo desafortunado que fue en vida y la alta estima que logra después de su muerte, su nombre es aquel que sirve de título para esta entrada... Vincent Van Gogh.

Una vez mencionado lo anterior, he de puntualizar que esta entrada no tiene como objetivo enfatizar las desgracias que vivió artista, tal cual todo ser humano puede pasar... sino el hablar de algunas de sus obras.

Sus influencias (o bien, referencias) comienzan con Rembrandt, Millet, etc. pero su trabajo como pintor se desarrolla y evoluciona con los impresionistas, en su faceta de experimentación de topa con artistas como: Monet, Cézanne. Las características principales de las obras impresionistas son: la representación subjetiva del creador, es decir, la impresión que el artista tenía de cierto elemento era reproducido de acuerdo a su propia perspectiva, además de que el impresionista daba mucha importancia al manejo, interpretación y juego de la luz; Además -para complementar la idea- otra rasgo característico propiamente técnico, eran las pinceladas cortas y sueltas.

Pero antes de llegar al proceso pictórico hay una base de dibujo y aunque no se trate mucho, o bien, no sea lo primero que se prioriza en obras de Van Gogh, los siguientes son ejemplos de sus trazos...

(Female nude, seated_Paris, 1886)



Se presenta un esbozo rápido de la figura, en este caso: humana; contraste fondo y forma con la sombra a lápiz.

 (two women, kneeling_The Hague_March,1883)



En este caso, el trabajo se visualiza más elaborado... ahora se puede mencionar que después de la delimitación en el espacio con trazos rápidos y esbozos, es propio continuar con el detallamiento.

El dibujo como base en la proyección de ideas para representación es importante dentro del trabajo de Vincent (aunque no sólo es propio de él), además de que es útil como práctica para el desarrollo de la habilidad, o incluso como referencias visuales para la evolución de un propio estilo. Pero aún hay algo importante a reconocer en el artista de quien se refiere este artículo.

Las cartas a Theo, actualmente es la compilación de las redacciones que Van Gogh enviaba a su hermano, el cual vivía lejos y por ello el pintor, -por medio de las cartas-explicaba a detalle cómo era su obra recién realizada... y podía ser cualquier pieza, por ejemplo: El dormitorio de Van Gogh.

 

 

Lo importante a notar dentro de estas cartas, no sólo es la estrecha relación y confianza con su hermano, sino la capacidad de Van Gogh de explicar y justificar su obra, tanto con palabras como con el uso del dibujo, ya sea de una manera muy simplificada o bien, con trazos más elaborados y minuciosos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 



 

Pablo Picasso

Pablo Picasso, originario de España quien después opta por establecerse en Francia, fue un artista que a temprana edad presentó cualidades artísticas que de a poco fue mejorando con ayuda de su padre quien era profesor de dibujo, pero principalmente por su propio esfuerzo.

Su fuerte, o bien, el motivo por el cuál  es reconocido, es por su destaque en las arte pictóricas, resultando así ser un prodigio. Picasso, es muy conocido por ser de aquellos artistas que gustaban de la experimentación, entonces fue él de los que encabezaron el cubismo (siglo XX).

¿Por qué es importante reconocer a este artista? Retomando el punto anterior, el cubismo, fue una manera de abstracción geométrica cuya expresión puede resultar atractiva, pero sobre todo escandalosa y con lo cual, a la fecha no deja de impactar y captar la atención del público, pero además de lo antes mencionado, Picasso reinterpreta lo que observa, desde su propio punto de vista y creatividad… logra así obras de arte.

Bien podría parecer un retroceso en su trabajo, sin embargo, mucho se consideró arte la imitación de lo natural, Picasso, crea

Intervención

Una manera de dejar el miedo al espacio blaco... Ver ese vacio como un área de oportunidad.